{"id":"5bd603546cee07000787a044","slug":"leonardo-da-vinci-de","title":"Leonardo da Vinci","audio_url":"https://hls.blinkist.io/bibs/5bd603546cee07000787a044/5bd6038a6cee07000720643c.m4a?Expires=1656185600&Signature=GN42SPq2fjmNTyiozl95DNpoHyhxgGJsRLLwP3GvlTbH0NvPR~ppFqri80jaHn-cB0qBMvfrombSuFb3ooo5LBsGLW1p4F~Qc9jtvRDQ1rpMDrN2l5oaZAgAV-Of9BQ9PJNIFqyxScnLspYuJv32qmCffaO85PC6yPyDCT8FykVDJkMCU9oslYFg-62cUkYl73iqSkxlRb3EeQi8si7OSnyGPgpk0VGjMXF-32tFU8E0B9UptLxG4pxGfu8lrQ3VrwBFNX0ZYyBFE0UzK~J1u5yk77UebmjVPgaNHtSe8BFDYJJv9rPMUpc5TdjKXaAm6zlGRlSwhv2NVB2~Sv~GuA__&Key-Pair-Id=APKAJXJM6BB7FFZXUB4A","chapters":[{"id":"5bd6038a6cee07000720643c","title":"Leonardos Status als uneheliches Kind sollte sein Leben auf positive Weise beeinflussen.","text":"

Der Status „uneheliches Kind“ galt im Mittelalter als schwerer Makel, der ganze Schicksale besiegelte. Das zeigt allein schon die semantische Entwicklung des Wortes „Bastard“ von einer formalen Bezeichnung außerehelicher Sprösslinge zum unschönen Schimpfwort. Im Falle von Leonardo da Vinci sollte sich die außereheliche Geburt jedoch als Segen erweisen.

Leonardo da Vinci kam am 15. April 1452 als unehelicher Sohn des Notars Piero da Vinci und des damals 16-jährigen Bauernmädchens Caterina Lippi zur Welt. Vater Piero war in der toskanischen Kleinstadt Vinci tätig, wo er von wohlhabenden Kaufmännern und betuchten Adligen dafür bezahlt wurde, Konflikte zu lösen und Geschäfte zu beglaubigen. Das war eine derart respektable Aufgabe, dass sie ihm sogar die adelige Anrede Ser einbrachte.

Die Privilegien gingen jedoch mit gewissen Verpflichtungen einher. Wäre Leonardo Pieros ehelicher Sohn gewesen, hätte er das väterliche Geschäft übernehmen und die Notarslaufbahn einschlagen müssen – genau wie sein Vater, Groß- und Urgroßvater vor ihm. Die Gilde, der Piero wie alle anderen Notare angehörte, hatte jedoch klare Vorstellungen davon, wer Anspruch auf eine Mitgliedschaft hatte. Wer wie Leonardo „unrechtmäßiger“ Abstammung war, gehörte definitiv nicht dazu.

Zugleich gab es aber auch Institutionen, die in dieser Hinsicht schon damals eine liberalere Einstellung vertraten. Ausgerechnet die Kirche nahm Menschen wie Leonardo mit offenen Armen auf, und zahlreiche Kardinäle, Prinzen und militärische Würdenträger gingen aus Liebschaften zwischen Adeligen und ihren Mätressen hervor.

Für viele Künstler und Freigeister jener Zeit bot eine uneheliche Abstammung überhaupt erst die Freiheit, ihrer Leidenschaft fernab gesellschaftlicher Konventionen nachgehen zu können. So waren die Lyriker Giovanni Boccaccio und Francesco Petrarca sowie der Künstler Leon Battista Alberti – die da Vinci maßgeblich beeinflussen sollten – ebenfalls „unrechtmäßige“ Kinder und dennoch bedeutende Vertreter der Frührenaissance.

Als Piero später doch noch einen Weg fand, Leonardo zu seinem „rechtmäßigen“ Sohn zu machen, war die Entscheidung längst gefallen: Leonardo war zu einem Leben als Künstler bestimmt. Die Unterstützung seiner Eltern und die Tatsache, dass sie ihn auf keine der öffentlichen Lateinschulen schickten, eröffneten dem jungen Leonardo die Möglichkeit, seine Neugier und besondere Persönlichkeit zu entfalten.

"},{"id":"5bd603a16cee07000787a046","title":"Leonardo war ein begabter Lehrling, dessen Finesse die seines Meisters schon bald übertraf.","text":"

1464 zog Leonardo mit seinem Vater nach Florenz. Die „Wiege der Renaissance“ war eine florierende Metropole des Humanismus und Handels, in der es vor Künstlern und Handwerkern wimmelte. Die Stadt beherbergte damals 83 Seidenspinner, 84 Holzbildhauer, 30 Maler – und wies zudem die höchste Alphabetisierungsrate Europas auf.

Florenz bot dem jungen Leonardo da Vinci das ideale Umfeld, um seinen eigenen Weg zu finden. Mit 14 Jahren begann er seine Ausbildung in der Werkstatt des angesehenen Bildhauers und Malers Andrea del Verrocchio. Beide Disziplinen, die Bildhauerei und die Malerei, galten damals als handwerkliche Fertigkeiten wie die Tischlerei und das Schmieden. Verrocchios Kundschaft gab die Gemälde und Skulpturen entsprechend mit der gleichen Selbstverständlichkeit in Auftrag, mit der sie auch Messingknäufe oder Vasen bestellte.

Da Vinci sollte später großen Anteil daran haben, dass Maler nicht länger als bloße Handwerker, sondern als Künstler angesehen wurden, deren Werke große Gefühle und Gedanken transportieren. Trotzdem waren die praktischen Kenntnisse und Kompetenzen, die er in Verrocchios universell ausgerichteter Werkstatt erwarb, durchaus nützlich: von der Geometrie über die Perspektive bis zur Darstellung von Licht und Schatten.

Im Alter von 20 Jahren hatte er nicht nur seinen Meistertitel in der Tasche, sondern auch das Können seines Lehrers übertroffen. Das zeigt sich besonders eindrücklich an dem Gemälde Die Taufe Christi, an dem beide gemeinsam von 1472 bis 1475 arbeiteten. In der linken unteren Bildhälfte sind zwei Engel abgebildet. Verrocchios Engel wirkt seltsam konstruiert und leblos. Durch die scharfen Konturen erscheint dessen Haar z.B. beinahe wie eine auf dem Schädel platzierte Perücke.

Da Vincis Engel dagegen hat lebhafte Augen und Gesichtszüge ohne scharfe Umrisse. Der Maler erzeugte den weichen Übergang zwischen Haaransatz und Stirn mit einer Technik namens sfumato – was übersetzt so viel wie „verraucht“ oder „verschwommen“ bedeutet. Diese von ihm selbst entwickelte Maltechnik ermöglichte ihm, seinen Bildern eine Weichheit und atmosphärische Unschärfe zu verleihen, die für ihn die Wahrnehmung durch das menschliche Auge widerspiegelte. Sie sollte zu einem von da Vincis Markenzeichen werden, dank dem er neben dem Ruf eines Pioniers auch weltweite Berühmtheit erlangte.

"},{"id":"5bd603b66cee07000720643d","title":"Da Vinci war schon vor seinem Weggang aus Florenz als Person und für kühne neue Maltechniken bekannt.","text":"

Nach dem Erlangen seines Meistertitels arbeitete da Vinci auch in den 1470er-Jahren weiter in Verrocchios Werkstatt. In dieser Zeit entstand ein ganz bemerkenswertes Gemälde: Das Bildnis der Ginevra de Benci. Es war nicht nur sein erstes nicht-religiöses Werk, sondern setzte gleich in mehrerer Hinsicht neue Maßstäbe in der Porträtmalerei.

Bis zu diesem Zeitpunkt wurden sämtliche Porträtbilder im Seitenprofil gemalt. Ginevra aber sitzt im 45-Grad-Winkel zum Betrachter, was dem Bild Tiefe und Räumlichkeit verleiht. Es ist, als habe da Vinci versucht, mehr als nur ihr äußeres Abbild festzuhalten. Als habe er versucht, ihr geheimnisvolles Charisma in Ölfarbe zu bannen. Der Ausdruck ihrer Augen und der zarte Anflug eines Lächelns auf ihren Lippen deuten auf eine starke Persönlichkeit hin, auf eine selbstbewusste, reflektierte junge Frau.

Etwa zur selben Zeit, in der da Vinci einem größeren Publikum bekannt wurde, nahmen erstmals auch die Behörden von ihm Notiz. Sein Name tauchte in gleich zwei anonymen Meldungen auf, die ihn gemeinsam mit anderen Personen der Sodomie beschuldigten – also eines „sündigen Sexualverhaltens, das nicht der Fortpflanzung diente“.

In einem der Berichte wurde allerdings auch ein Mitglied der mächtigen Medici-Familie genannt, was wohl ein Grund dafür war, dass beide Ermittlungen im Sande verliefen. Irgendjemand hatte im Hintergrund die richtigen Fäden gezogen. Abgesehen davon waren da Vincis gleichgeschlechtliche Neigungen in Florenz keinesfalls außergewöhnlich. Die Stadt war damals durchaus bekannt für seine homosexuelle Szene. In deutschsprachigen Gefilden z.B. war die Bezeichnung „Florenzer“ Jargon für einen homosexuellen Mann.

1477 zog da Vinci in sein eigenes Atelier. Dort arbeitete er an der Anbetung der Könige – dem ersten einer ganzen Reihe von Gemälden, die er niemals ganz vollendete. Das Bild näherte sich dem altbekannten Sujet aus einer völlig neuen Perspektive. Bislang hatten alle Werke zu diesem Thema gezeigt, wie die drei Könige dem neugeborenen Christuskind ihre Gaben brachten. Da Vinci aber platzierte Maria und Jesus im Auge eines Wirbelsturms der spirituellen Extase, die selbst die Tiere im Hintergrund erfasste.

Da Vinci hatte, wie schon beim Bildnis der Ginevra, mit der Tradition gebrochen und Gefühle dargestellt. Er hatte es erneut geschafft, das Geistesleben der Gestalten durch Gesten und Gesichtsausdrücke greifbar zu machen. Er hatte ihr Inneres dieses Mal noch radikaler nach Außen gestülpt.

Und doch stellte er das Gemälde niemals fertig. Der Himmel und andere Feinschliffe blieben unvollendet. Da Vinci ließ sowohl das Bild als auch Florenz zurück.

"},{"id":"5bd603cf6cee07000787a047","title":"Im Dienste des Herzogs von Mailand begann da Vinci, sein künstlerisches Repertoire zu erweitern.","text":"

Im Jahre 1482 war Mailand eine einwöchige Kutschfahrt von Florenz entfernt. Kulturell aber trennten die beiden Städte Welten. Florenz war das Zentrum einer von Bankiers kontrollierten Republik, Mailand hingegen wurde seit Jahrzehnten von der mächtigen Sforza-Familie regiert.

Da Vinci kam in der Hoffnung, im künftigen Mailänder Herzog Ludovico Sforza einen geneigten Mäzen zu finden. Er bewarb sich mit einem durchaus beeindruckenden Portfolio, in dem er seine vielfältigen Talente und außergewöhnlichen Fähigkeiten anpries. Er sei u.a. auch in der Militärtechnik bewandert und könne von beweglichen Brücken und Kanonen bis zu bewaffneten Streitwagen allerlei Kriegsgerät entwerfen. Dass er das höfische Kulturleben in Friedenszeiten auch durch Skulpturen und Gemälde bereichern könnte, fügte er dagegen eher beiläufig an.

Seine Bewerbung am Mailänder Hof zeigte, dass er sich längst nicht mehr nur auf die Malerei beschränkt sah. Da Vinci wollte sich intensiver mit dem Zusammenspiel von Mensch, Natur, Architektur und Technik befassen. Er beschäftigte sich bereits seit Anfang der 1480er-Jahre mit einem urbanen Gesamtkonzept, das die Stadt als Organismus betrachtete.

Eine lebendige, gesunde Stadt brauchte seiner Meinung nach Kanäle, die ihre Bewohner mit Frischwasser versorgten, und ein unterirdisches Abflusssystem, das Abwasser transportierte. Mit einem solchen Stadtplanungskonzept war er seiner Zeit, wie in so vielen anderen Belangen, meilenweit voraus. Ludovico Sforza aber interessierte sich nicht für seine innovativen Entwürfe.

Letztendlich konnte da Vinci den Herzog auf einem anderen Gebiet überzeugen: Sforza wollte da Vinci für die Gestaltung der höfischen Unterhaltungskultur gewinnen. Tatsächlich hatte der Meistermaler bereits vor seiner Ankunft in Mailand umfangreiche Erfahrungen mit der Gestaltung von Bühnenbildern und Requisiten für Florenzer Theaterproduktionen gesammelt. In Mailand konnte er daran mühelos anknüpfen und widmete sich fortan der Ausstattung von Bühnenstücken und wissenschaftlichen Vorführungen am Hof.

Eine besonders aufwendige Produktion war „Das große Maskenspiel der Planeten“, bei dem da Vinci das Publikum mit mechanischen Requisiten und selbstgemalten Landschaften verblüffte. Mit solch gefeierten Spektakeln erlangte da Vinci immer größere Prominenz. Das Ergebnis war, dass er zu jener Zeit bekannter für seine Unterhaltungsformate war als für seine Malerei.

"},{"id":"5bd603e86cee07000720643e","title":"Da Vinci nutzte seinen Kontakt zu brillanten Persönlichkeiten für Synergien und Kollaborationen.","text":"

Leonardo da Vinci galt als Charmeur. Zeitzeugen beschrieben ihn als strahlende Persönlichkeit, als attraktiven, eleganten Mann und begnadeten Erzähler. Seinem ersten Biografen Giorgio Vasari zufolge konnte schon seine bloße Anwesenheit reichen, um schwere Gemüter zu erheitern.

Diese besondere Ausstrahlung sollte ihm bald zugutekommen. Der Mailänder Hof zog herausragende Köpfe aus den unterschiedlichsten Disziplinen an, und da Vinci nutzte sein zwischenmenschliches Feingefühl, um Kontakte zu knüpfen und Türen zu öffnen. Heute würden wir sagen, er setzte seine Social Skills fürs Networking ein.

Zwar war er durchaus mit der Geometrie vertraut, in anderen mathematischen Feldern aber nur wenig bewandert. Da kam ihm die Freundschaft mit dem Mathematiker Luca Pacioli wie gerufen, der ihm fortan half, seine Kenntnisse der Arithmetik zu verbessern. Es gibt Notizbücher aus jenen Tagen, in denen da Vinci To-Do-Listen führte. Ein Eintrag lautete sinngemäß: „Multiplikation der Wurzeln mit Maestro Luca lernen“.

Überhaupt liebte da Vinci die Zusammenarbeit mit anderen. Für Paciolis 1498 verfasstes Mathematikwerk De Divina Proportione (Die Lehre vom goldenen Schnitt) steuerte er die Illustrationen bei. Die schönen Grafiken sind übrigens da Vincis einzige offiziell veröffentlichte Zeichnungen. Er zeichnete Polyeder als skelettartige Holzstrukturen, verwendete geschickte Schattierungen und stellte menschliche Körperteile durchsichtig dar, um den Lesern das Verständnis der geometrischen Zusammenhänge zu erleichtern.

Er umgab sich auch mit Architekten wie Donato Bramante und Francesco di Giorgio, die beide auch künstlerische Ambitionen verfolgten. Zusammen sollen die drei oft und gern über das Werk Vitruvs gesprochen haben – des römischen Militäringenieurs, der im ersten Jahrhundert n.Chr. ein berühmtes Traktat über architektonische Grundlagen verfasst hatte.

Vitruv war der Meinung, die Architektur sollte sich an der Wohlgeformtheit des menschlichen Körpers orientieren. Ein Tempel z.B. sollte präzise um einen Mittelpunkt herum geplant werden, der sich in exakt derselben Entfernung zu Vorder-, Hinter- und Seitenwänden befindet. Genauso wie sich der Bauchnabel des Menschen in exakt derselben Entfernung zum Scheitel und den Spitzen der ausgestreckten Hände und Füße befindet.

Da Vinci war fasziniert von dieser Vorstellung. Mehr noch, er war sogar regelrecht besessen von den harmonischen Proportionen der menschlichen Anatomie und ihren Entsprechungen in der Natur. All diese Gespräche gipfelten in da Vincis bis heute berühmtester Zeichnung des Vitruvianischen Menschen. Darin fügt sich ein Mann – der da Vincis eigenem Abbild durchaus ähnlich sieht – mit ausgestreckten Extremitäten in die geometrischen Formen des Kreises und des Quadrates ein.

"},{"id":"5bd603fd6cee07000787a048","title":"Die Bilder aus da Vincis Mailänder Schaffensphase zeigen revolutionäre Ansätze im Hinblick auf Narrative und psychologische Tiefe.","text":"

Der vitruvianische Mensch sollte nicht das einzige herausragende Werk aus da Vincis Zeit in Mailand bleiben. Herzog Ludovico gab unter anderem zwei Porträts in Auftrag, die kunsthistorische Bedeutung erlangten.

Das erste und heute bekanntere ist die Dame mit dem Hermelin. Es stellt die damals 16-jährige Cecilia Gallerani dar, die zwischen 1489 und 1491 eine von Sforzas Mätressen war und ihm 1490 einen Sohn gebar. Kunsthistoriker vermuten, dass Ludovico die Arbeit zu Ehren ihrer Liaison und insbesondere der daraus hervorgegangenen Schwangerschaft in Auftrag gab.

Mit dem Bild brach da Vinci erneut mit der malerischen Tradition seiner Zeit. Er schuf ein durch und durch geheimnisvolles Bildnis einer jungen Frau, die ganz offensichtlich an etwas oder jemanden denkt. Alles an ihr, von der Neigung ihres Kopfes bis zu ihrer Körperhaltung, schafft eine narrative Ebene und verweist auf eine emotionale und psychologische Tiefe unter der Oberfläche der Leinwand.

Ihre Hand z.B. ruht sanft auf der Nackenpartie eines Hermelins – eine subtile Anspielung auf die romantische Beziehung mit dem Herzog: Ludovico hatte vom König von Neapel den Hermelinorden verliehen bekommen.

Ein Vergleich mit dem Porträt der Ginevra de Benci veranschaulicht da Vincis beeindruckende Fortschritte. Inzwischen hatte er deutlich an der Verfeinerung seiner sfumato-Technik gearbeitet, was sich am facettenreichen Spiel aus Licht und Schatten offenbart, das der Dame mit dem Hermelin eine außergewöhnliche Tiefe verleiht. Technische Untersuchungen mit hochmodernen Kameras haben außerdem gezeigt, dass da Vinci die Leinwand mit hauchdünnen, nahezu transparenten Anstrichen lasierte, um die Intensität der Farben und deren Verläufe zu kontrollieren.

Auch die zweite Auftragsarbeit zeigt mit hoher Wahrscheinlichkeit eine Geliebte Ludovicos. Demnach stellt La Belle Ferronnière vermutlich Lucrezia Crivelli dar, eine der Hofdamen der Herzogin Beatrice D’Este. Obwohl das undatierte und unsignierte Bild Leonardo da Vinci zugeschrieben wird, trägt es eine Reihe untypischer Merkmale. Das Spiel aus Licht und Schatten ist auch hier lebendig, aber das Haar der Porträtierten wirkt leblos, der Lichtschimmer auf ihren Wangenknochen zu grell, ihre Körperhaltung nicht stimmig. Einzig das Band auf ihrem Kleid trägt eindeutig da Vincis unverkennbare Handschrift. Dies wirft die Frage auf, ob das Bild zumindest teilweise unter Mitwirkung anderer Künstler wie bspw. einem Schüler da Vincis entstand. Der Einfluss des Meisters ist dennoch in jedem Falle sichtbar.

"},{"id":"5bd604306cee07000720643f","title":"Das Abendmahl ist da Vincis Meisterwerk und darauf ausgelegt, einen unfassbaren Moment zu fassen.","text":"

Wie alle großen Künstler wusste auch da Vinci um die herausragende Bedeutung der Beobachtung. Seine Notizbücher waren voller Zeichnungen von Menschen, Naturansichten und Tieren, die er allesamt bis ins kleinste Detail studierte. Vor allem Pferde waren über mehrere Jahre ein wiederkehrendes Motiv, da er an einer Reiterstatue arbeitete, die er wegen der Invasion der Franzosen 1494 aber nie vollenden konnte.

Ansonsten galt sein Interesse vor allem den Menschen. Viele seiner Beobachtungen und Erkenntnisse konnte er später meisterhaft in die Arbeit an seinem wohl berühmtesten Werk einfließen lassen: Das Abendmahl. Herzog Ludovico beauftragte da Vinci mit der Anfertigung eines Freskos, das die Nordwand des Refektoriums des Mailänder Dominikanerklosters Santa Maria delle Grazie schmücken sollte. Da Vinci begann bereits 1495 mit seiner Arbeit an dem Wandgemälde, kam aber – sehr zum Ärger des Herzogs – wie gewohnt nur im Schneckentempo voran.

Das ist aber auch kein Wunder, wenn man berücksichtigt, dass die Darstellung der Szene mithilfe einer Zentralperspektive kunsthistorisch betrachtet einer absoluten Revolution gleichkommt. Er bediente sich völlig neuer Techniken zur Darstellung menschlicher Körperhaltung und Gestik, um das emotionale Geflecht eines besonderen Moments der Bibelgeschichte zu bannen: jenen Augenblick während des Abendmahls am Vorabend von Jesu Kreuzigung, in dem dieser seinen Jüngern verkündet, er werde von einem von ihnen verraten werden.

Da Vinci wollte das Geschehen aber nicht einfach auf einen einzelnen Moment beschränken. Er wollte dem Betrachter auch zeigen, was kurz davor und kurz danach geschah – und zwar zwölf mal in Folge, für jeden einzelnen der Apostel. Der Blick von einem Jünger zum Nächsten offenbart die ganze Bandbreite ihrer Emotionen, von Ärger und Bestürzung über Resignation bis hin zur Gier und Hinterlist des Judas.

Da Vinci verwendete zudem ein paar geschickte Kunstgriffe, um die gewünschte perspektivische Tiefe zu erzeugen. Die Tafel im Vordergrund ist unnatürlich schmal, und alle Gestaltungslinien im Bild laufen fluchtpunktartig auf die Schläfe Jesu zu. All das zeigt, wie gekonnt da Vinci hier mit den Regeln der Optik und perspektivischen Darstellung spielt, die er so lange so obsessiv studiert hatte. Damit gelang es ihm, die Gesetze der Geometrie meisterhaft in seine Kunst zu übertragen.

"},{"id":"5bd6044f6cee070007206440","title":"Im Dienste von Cesare Borgia geriet da Vinci an die Grenzen seiner militärischen Ingenieurskunst.","text":"

1499 marschierten die französischen Truppen des Königs Ludwig XII. in Mailand ein und stürmten den herzoglichen Hof. 20 Jahre nachdem da Vinci Ludovico Sforza von seinen militärischen Talenten hatte überzeugen wollen, bekam er den geballten Schrecken des Krieges am eigenen Leib zu spüren. Da Vinci selbst schien nicht in Gefahr, im Gegenteil, es gab sogar Pläne, ihn dem französischen König vorzustellen. Da der militärische Konflikt jedoch deutlich länger währen sollte als erwartet, sah sich da Vinci zur Rückkehr nach Florenz gezwungen.

Dort fand er Anstellung unter Cesare Borgia, einem Verbündeten von Ludwig XII., der im Namen der französischen Krone eine italienische Grafschaft nach der anderen unterwarf. Aller Wahrscheinlichkeit nach war es niemand Geringeres als Niccolò Machiavelli, der Florenz’ Kapitulation vor den übermächtigen Borgia verhandelte und im selben Zug auch die Einstellung da Vincis arrangierte. Machiavellis berühmtes Werk Der Fürst soll zu großen Teilen vom Machthunger Borgias inspiriert sein.

Mit Borgias Genehmigung reiste da Vinci durch das kriegsgebeutelte Italien, um Restaurationspläne für zerstörte Brücken und Festungen zu entwerfen. Er schlug z.B. vor, Festungswände in Zukunft rund statt plan zu bauen. So würden aufprallende Kanonenkugeln in ihrer Flugbahn abgelenkt und die Wucht des Aufpralls verringert.

Am meisten aber faszinierten Borgia die Stadt- und Landkarten des Künstlers. Da Vincis Karte von Imola aus dem Jahre 1502 z.B. vereinte künstlerisches Detail mit wissenschaftlicher Präzision. Die farbige Darstellung zeigte die Stadt und Umgebung aus der Vogelperspektive und gab maßstabsgetreu alle Entfernungen zwischen den Gebäuden und naheliegenden Siedlungen wieder. Mithilfe dieser detaillierten Ortskenntnisse konnte Borgia seine vernichtenden Blitzangriffe starten, welche die unabhängigen italienischen Grafen kalt erwischten, bevor sie eine Verteidigung formieren konnten.

Es sollte nur acht Monate dauern, bis da Vinci seinen Dienst quittierte. Borgia war zwar eine charismatische Persönlichkeit, die anfangs sicher auch da Vinci beeindruckte. Er war aber auch ein in moralischer Hinsicht korrupter Herrscher und kaltblütiger Mörder. Selbst Machiavelli soll angesichts der Gräueltaten seiner Soldaten entsetzt gewesen sein.

Damit fand da Vincis lebenslanger Traum von einer Karriere als Ingenieur ein jähes Ende. Mit seiner Erfüllung hatte sich der Wunschtraum binnen kürzester Zeit in einen Albtraum verwandelt.

"},{"id":"5bd604696cee07000787a049","title":"Da Vincis unvollendete Werke in Zusammenarbeit mit Michelangelo hatten bedeutenden Einfluss.","text":"

Nach seiner Rückkehr nach Florenz lernte da Vinci auch den neuen Shooting Star am Firmament der Florentiner Kunstszene kennen: Michelangelo, den Schöpfer der ikonischen Marmorskulptur David. Die Regierung in Florenz beschloss, die Präsenz der zwei begnadeten Künstler für ein öffentlichkeitswirksames Spektakel zu nutzen.

Da Vinci und Michelangelo sollten jeweils einen Wandabschnitt im Großen Saal des Palazzo Vecchio mit einem monumentalen Schlachtenbild verzieren. Doch die Chemie zwischen den beiden Auserwählten stimmte einfach nicht, sodass der Wettstreit der Giganten scheitern sollte.

Dabei hatte die Idee an sich natürlich gewaltiges Potenzial. Da Vinci plante ein Fresko, das dem Abendmahl in nichts nachgestanden hätte. Dieses Gemälde sollte sogar noch größer werden und ein Drittel einer gut 50 Meter hohen Wand bedecken. Das Motiv sollte der Sieg der Florentiner über die Mailänder in der Schlacht von Anghiari im Jahre 1440 sein. Da Vinci arbeitete an einer bildgewaltigen Szene mit spritzendem Blut, wirbelndem Staub, gebleckten Zähnen und Kriegern in Todesangst.

Michelangelo sollte an seinem Wandabschnitt eine andere Schlacht inszenieren, und das künstlerische Kräftemessen der beiden versetzte die gesamte Stadt in Spannung. Doch da Vinci und Michelangelo kamen nicht miteinander aus. Zum einen verhielt sich der ungestüme Michelangelo dem Altmeister gegenüber bei jeder Gelegenheit unwirsch. Zum anderen vertrug sich die kompetitive Atmosphäre nicht mit Leonardos einfühlsamen Arbeitsstil.

Da Vinci brach den Auftrag ab und ließ die Schlacht von Anghiari wie seinerzeit schon die Anbetung der Könige unvollendet zurück. Die Arbeit am Abendmahl hatte ihn gelehrt, dass es für die Fertigstellung eines Freskos mehr als seine malerischen Künste brauchte. Schließlich war er kein ausgebildeter Wandmaler und tat sich von Beginn an schwer, die richtige Farbmischung für die glatten Gipswände zusammenzustellen.

Seine Arbeit an dem Projekt wurde all ihrer Unvollkommenheit zum Trotz gefeiert. Als die Stadt die Skizzen für beide Fresken öffentlich ausstellte, reisten Künstler aus ganz Europa an, um die beeindruckenden Pläne zu bewundern. Raffael höchstpersönlich zeichnete seine eigene Kopie der Entwürfe. Und Cellini bezeichnete die Exponate als „Schule der Welt“. Die Zeichnungen gelten bis heute als Paradebeispiele der Hochrenaissance.

"},{"id":"5bd604836cee070007206441","title":"Da Vincis detaillierte Studien der menschlichen Anatomie waren ihrer Zeit Jahrhunderte voraus.","text":"

Bevor er Florenz endgültig den Rücken kehrte, widmete sich da Vinci erneut seinen Studien des menschlichen Körpers. Seine aufmerksamen anatomischen Untersuchungen gehören zu seinen visionärsten Arbeiten. Dabei blieb ihr wahrer Wert fast ein halbes Jahrtausend lang unentdeckt.

Ein Anatomieprofessor der Universität von Pavia stellte da Vinci etwa 20 Leichen zur Verfügung, die der Maler mit medizinischer Sorgfalt sezierte. Das intime anatomische Verständnis war offensichtlich eine wichtige Voraussetzung dafür, jeden Knochen, jeden Muskel und jedes Organ derart detailreich darstellen zu können. Doch da Vincis Interesse ging längst über die Kunst hinaus: Er wollte das Wesen des Menschen bis in seine Fasern hinein ergründen.

So ergänzte er die insgesamt 240 Zeichnungen mit überaus umfangreichen Notizen, in denen er seine Gedanken zur Funktion der Augen, des Herzens und Gehirns und sogar zum menschlichen Fötus festhielt. Die Arbeiten hätten seinen Zeitgenossen einen unglaublichen Wissenszuwachs bescheren können, denn da Vinci war seiner Epoche erneut um Jahrhunderte voraus. Bspw. finden sich in seinen Notizbüchern die ältesten Beschreibungen der Folgen einer Arteriosklerose. Nur wurden diese Aufzeichnungen zu da Vincis Lebzeiten leider nicht veröffentlicht.

Noch beeindruckender waren seine Studien zum menschlichen Herzen. Zu jener Zeit brachte man v.a. die Leber mit dem Blutkreislauf in Verbindung. Da Vinci aber erkannte die wahre Bedeutung des Herzens. Er verstand sogar die Funktionsweise der Aortenklappen, weil er die Gesetze der Strömungsdynamik studiert und außerdem Experimente am Herzen eines Bullen durchgeführt hatte. Dabei hatte er das Rinderherz mit Wachs gefüllt, die weiche Masse zu einer festen Form aushärten lassen und ein gläsernes Modell des Herzens angefertigt, um die Bewegung der Flüssigkeiten zu beobachten.

Es sollte ganze 450 Jahre dauern, bis die Wissenschaft dieselben Erkenntnisse erneut gewann. Die Entdeckungen waren ein später Ritterschlag für die visionäre Weitsicht des wissensdurstigen Universalgelehrten. Da Vincis Zeichnungen und Vermerke sind aber selbst heute noch nützlich, da er sich wie alle großen Lehrer darauf verstand, komplexe Zusammenhänge einfach zu erklären. Er verwendete großartige Analogien wie die Beschreibung des Herzens als „zentralen Samen, aus dem alle Wurzeln und Zweige sprießen“.

"},{"id":"5bd6049c6cee07000787a04a","title":"Dank der finanziellen Unterstützung durch Franz I. konnte da Vinci seine drei letzten Gemälde vollenden.","text":"

Als da Vinci 1507 nach Mailand zurückkehrte, galt sein Interesse vermehrt den wissenschaftlichen Studien der Luft, des Wassers und der Geologie – was vortrefflich zu seinen detaillierten Beobachtungen von Vögeln, Fischen und technischem Fluggerät passte.

Nach einem fruchtlosen Aufenthalt in Rom zwischen 1513 und 1516 führte ihn das Schicksal nach Frankreich. So überquerte da Vinci im Alter von mittlerweile 64 Jahren erstmals die Grenzen seiner italienischen Heimat. Er sollte nie wieder zurückkehren. Hier traf er seinen letzten großen Förderer – den besten und großzügigsten, den er jemals hatte. Der Ritterkönig Franz I. von Frankreich war nicht nur charismatisch, sondern außerdem erpicht darauf, sein Land mit dem großen italienischen Kulturreichtum zu befruchten.

Da Vinci wurde zum höchsten Künstler und Ingenieur in Diensten des französischen Königs. Franz selbst bezeichnete ihn als den herausragendsten Maler jener Zeit und gab ihm sogar die Gelegenheit, eine königliche Residenz im französischen Hinterland zu planen, die am Ende allerdings doch nicht realisiert wurde. Und sein neuer Förderer zahlte ihm ein ordentliches Gehalt, sodass da Vinci sich nie wieder auf Auftragsbasis abplagen musste.

1517 erhielt da Vinci Besuch von Kardinal Luigi d’Aragona. Das Treffen der beiden wurde vom Sekretär der Kardinals, Antonio de Beatis, protokolliert. Dank dieses Protokolls wissen wir heute, dass da Vinci kurz vor der Begegnung einen Schlaganfall erlitten hatte. Er gestand dem Kardinal, seine rechte Hand nicht mehr bewegen zu können, was das Ende seines künstlerischen Schaffens bedeutete. Er zeigte seinen Gästen aber noch drei Gemälde, die er zuvor noch beenden wollte. Jedes einzelne war ein Meisterwerk.

Das erste war Johannes der Täufer. Darauf tritt eine androgyne Gestalt mit wallendem Haar und verführerischer Miene aus dem Schatten im Hintergrund hervor und deutet mit erhobener Hand geheimnisvoll gen Himmel. Das zweite war Anna selbdritt. Isaacson findet, die Darstellung der Charaktere auf diesem Bild reiche bei Weitem nicht an die Ausdrucksstärke von Johannes der Täufer heran. Zweifelsohne ist es trotzdem ein Meisterwerk.

Das dritte Bild trug der Altmeister nun schon seit Jahren mit sich herum. Es sollte eines der berühmtesten Gemälde aller Zeiten werden.

"},{"id":"5bd604b56cee070007206442","title":"Die Mona Lisa war die vollkommene Kulmination seines Schaffens – und vereint all seine Interessen und Talente.","text":"

Da Vinci hat sein Leben lang versucht, die Rätsel des Seins zu entschlüsseln. Es ging ihm nicht um Reichtum oder Ruhm, sondern darum, die Geheimnisse der Welt zu lüften. Dabei war seine unbändige Neugier zeitlebens sein größter Antrieb.

Da Vincis Gemälde sind allesamt Studien körperlicher Bewegung und emotionaler Regung. Für ihn konnte eine winzige Geste der Schlüssel zu großen Gedanken und Gefühlen sein. Diese präzise Beobachtungsgabe machte ihn zu einem der größten Maler der Geschichte. Er verstand es, der Zweidimensionalität der Leinwand Räumlichkeit und Tiefe zu verleihen und ihrer Statik und Stille Leben einzuhauchen.

Die Mona Lisa gilt gemeinhin als der absolute Höhepunkt seines Schaffens. Das mag auch daran liegen, dass das Gemälde neben seiner Perfektion ein Verweis auf da Vincis Wissensdrang jenseits der Malerei ist. Mehr noch, es ist ein Beweis dafür, dass manche menschlichen Geheimnisse schlichtweg unlösbar sind.

Das Porträt ist berühmt für das subtile Lächeln der Porträtierten, das je nach Betrachtungswinkel verschiedene Gefühle auszudrücken scheint. Der Effekt ist verblüffend. Wenn der Betrachter den Blick auf ihre Augen richtet, scheinen ihre Lippen durch die hochgezogenen Mundwinkel zu einem warmen Lächeln geformt. Konzentriert man sich dagegen ganz bewusst auf ihren Mund, scheint sich das Lächeln zu einer Art kühlen Distanziertheit zu verflüchtigen.

Auch für die Mona Lisa hat da Vinci sein Fachwissen über Optik und Perspektive genutzt, um die Landschaft im Hintergrund verschwommen darzustellen und den Fokus voll und ganz auf die vordere Bildebene zu richten. Diese Herangehensweise brach mit der damaligen Tradition, alle Motivbereiche unabhängig von ihrer Entfernung zum Betrachter mit der gleichen Schärfe abzubilden.

Sein Wissen über Licht und Reflexion brachte da Vinci auf die Idee, die Leinwand bleiweiß zu grundieren. Er trug hauchdünne Lasurschichten auf, die das einfallende Licht reflektieren. Der Effekt ist besonders deutlich an den Wangen zu sehen, die je nach Betrachtungswinkel vor Lebensenergie strahlen.

Über die Komposition des Bildes sind ganze Bücher verfasst worden, wobei besonders die Gestaltung des Hintergrunds hervorsticht. Der Wasserlauf hinter der Porträtierten geht fließend in die Bewegung ihres Seidenschals über, und der wellenartige Fluss der Landschaft verschmilzt mit ihrem Haar. Als wäre sie eins mit der Natur.

Die Selbstverständlichkeit, mit der da Vinci die landschaftlichen Formen in die Gestalt der Mona Lisa übergehen lässt, steht repräsentativ für seine unermüdliche Erforschung der Beziehung zwischen Natur und Mensch sowie den Mustern und Gesetzmäßigkeiten ihrer Ästhetik. Genau diese Wechselseitigkeit macht den Zauber aus, der die Betrachter des Gemäldes bis heute fasziniert.

Leonardo da Vinci besaß die Mona Lisa bis ans Ende seines Lebens. Er starb am 23. April 1519, acht Tage nach seinem 67. Geburtstag.

"},{"id":"5bd604cb6cee07000787a04b","title":"Zusammenfassung","text":"

Die Kernaussage dieser Blinks ist:

Leonardo da Vinci ist heute vor allem berühmt dafür, dass er mit kühnen neuen Maltechniken experimentierte, völlig neue Maßstäbe setzte und die goldene Phase der Hochrenaissance begründete. Aber er war nicht nur Maler, sondern darüber hinaus auch unermüdlicher Erforscher des Lebens. Ein aufmerksamer Beobachter der ästhetischen Gesetzmäßigkeiten der Schöpfung und der großen Gefühle hinter den kleinsten Gesten. Seine erst Jahrhunderte nach seinem Tod veröffentlichten Notizbücher enthielten unzählige Zeichnungen und Studien zu ganz unterschiedlichen Disziplinen – von der Anatomie und Architektur über die Technik bis zur Strömungsdynamik. Die darin enthaltenen Erkenntnisse waren ihrer Zeit um die sprichwörtlichen Lichtjahre voraus.

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Zum Weiterlesen: Einstein von Walter Isaacson

In Einstein stellt Walter Isaacson beide Seiten des bekannten Genies Albert Einstein vor: den Physiker und den Privatmann. Isaacson begleitet Einstein auf seinem gesamten Lebensweg. Er berichtet von seiner Kindheit, dem ersten Interesse für die Physik und erklärt seine wichtigsten wissenschaftlichen Werke, unter anderem die spezielle und die allgemeine Relativitätstheorie.

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